Britische Mode war schon immer mehr als nur Aussehen

(SeaPRwire) –   Am Samstag findet im British Museum eine neue Spenden-Gala statt, um „London als globales Zentrum für Kreativität und Kultur ins Rampenlicht zu rücken“. Diese britische Version wurde als Gegenstück zur Mai-Gala des Metropolitan Museum of Art zur Finanzierung des Costume Institute des Museums konzipiert und zielt darauf ab, Londons Position als kreatives Zentrum hervorzuheben. Mit einem thematischen Dresscode, der von den Gästen erwartet, in Pink zu erscheinen, feiert der Ball Indien durch die Ausstellung „Ancient India: Living Traditions“.

Der British Museum Ball ist Londons jüngster Versuch, die Mode und die Kreativwirtschaft im weiteren Sinne zu nutzen, um den Status der Nation auf der Weltbühne zu erhöhen. Eine solche Strategie begann nach dem Zweiten Weltkrieg. Angesichts der wirtschaftlichen und sozialen Veränderungen durch die Entkolonialisierung hatte Großbritannien Mühe, seine Position als Weltmacht ohne die Zeugnisse eines globalen Imperiums neu zu definieren. Sowohl die Regierung als auch die Medien erkannten langsam das Potenzial der Mode, Großbritanniens Ruf zu verbessern. Und in den 1990er Jahren war die Mode zu einem überzeugenden Medium für Großbritannien geworden, um kulturelle Stärke zu projizieren.

Großbritanniens Besessenheit von Mode kam langsam. In der Tat, erklärt, dass die britische Öffentlichkeit sich nicht immer für Mode interessierte, sondern traditionelle Designelemente in Stoffen wie Tweed bevorzugte und Designer-Kleidung als leichtfertig ansah. Die britische Regierung hatte sich zuvor auf Handelsorganisationen wie den Clothing Export Council konzentriert, der hauptsächlich Ressourcen für größere Industriegruppen bereitstellte. In der Nachkriegszeit begann Großbritannien, sich von einer Industrie- zu einer Konsummacht zu entwickeln, was es notwendig machte, Branchen wie die Mode mehr Aufmerksamkeit zu schenken, um die Binnenwirtschaft aufzubauen.

In den 1960er Jahren erholte sich die Nation von der Nachkriegsrationierung, was zu einem neuen Aufschwung der kulturellen Produktion in Musik, Film und Mode führte. Diese Ära, die als „Swinging ’60s“ bezeichnet wurde, führte 1966 zu dem Bericht, dass „London seine Theaterstücke, seine Filme, seine Marotten, seine Stile, seine Leute exportiert. Es ist der Ort, an dem man hingehen muss.“ Mary Quant, eine der ikonischsten Designerinnen dieser Zeit, wird die Erfindung des berüchtigten Minirocks und der Hotpants zugeschrieben. Die Designs, die aus ihrem Geschäft Bazaar auf der King’s Road kamen, waren Teil der Bewegung weg von restriktiven Stilen und Verhaltensregeln früherer Generationen und befähigten insbesondere junge Frauen zu Vorstellungen von sexueller Befreiung.

Die 1970er Jahre brachen den Optimismus des vorherigen Jahrzehnts mit einer neuen Subkultur: Punk. Punk-Kleidung, die aus Vivienne Westwood und Malcolm McLarens Geschäft auf der King’s Road auf den Markt kam, war eine äußere Dramatisierung der wirtschaftlichen Instabilität Großbritanniens. Schlüsselsignale wie Sicherheitsnadeln, Müllsäcke und zerrissene Kleidung betonten den Zustand des Landes. Als Punk zum Mainstream wurde, verwandelte er sich in abstrakte Ideen von Experimentierfreudigkeit, Rebellion und Kreativität, die zu Bestandteilen der britischen kulturellen Identität wurden.

In den 1980er Jahren fand die Mode eine unwahrscheinliche Kandidatin für die Förderung der Branche – Premierministerin Margaret Thatcher. Thatcher veranstaltete den ersten Regierungsempfang zur Feier des Starts der London Fashion Week und sah die Mode als relevant für ihr eigenes Bestreben, Großbritannien zu einer Unternehmenskultur zu machen. Sie , „Ich hatte wirklich das Gefühl, dass es an der Zeit war, dass die Regierung ihre enorme Wertschätzung für alles zeigen sollte, was die Modeindustrie tut… Ich habe schon seit geraumer Zeit das Gefühl, dass wir ihnen nicht genügend moralische Unterstützung der Regierung für die enorme Arbeit geben, die sie leisten.“

Die Gründung des British Fashion Council im Jahr 1983 festigte die bestehende nationale Infrastruktur und schuf eine Plattform zur Unterstützung aufstrebender Designtalente. Bis 1995 hatte der BFC die Maschinerie der London Fashion Week rationalisiert und sich staatliche Mittel für Ausstellungen, Unterstützung für junge Designer und die Werbung ausländischer Käufer gesichert. Gepaart mit dieser wachsenden Infrastruktur wurde die frisch verheiratete Prinzessin Diana 1981 zu einer wandelnden Werbetafel für britische Mode als eine der meistfotografierten Personen dieser Zeit.

In den 1990er Jahren nahm die Popularität der britischen Kultur mit dem Musikgenre Britpop zu. Bands wie Oasis und die Spice Girls, die in den frühen 1990er Jahren debütierten und 1997 ihren Höhepunkt erreichten, machten London zur „coolsten Stadt der Welt“. Vanity Fair , dass „wie Mitte der 60er Jahre die britische Hauptstadt ein kultureller Vorreiter ist“. Nachdem der Labour-Politiker Tony Blair 1997 an die Macht gekommen war, bot er eine „neue Vision“ für das Land, die eine stärkere Beteiligung der Regierung an der Kreativwirtschaft vorsah. Er gründete die Creative Industries Task Force, die darauf abzielte, „auf der Stärke der britischen Kreativwirtschaft aufzubauen und sie zu einem zentralen Element unseres Bestrebens zu machen, den nationalen wirtschaftlichen Wohlstand zu steigern“.

Mode war ein integraler Bestandteil dieser vielschichtigen Initiative, Großbritanniens Ruf als innovativ und experimentell zu nutzen. Blair nutzte die Grundlage, die durch jahrzehntelange kulturelle Produktion gelegt worden war, und versuchte, die Kreativwirtschaft zu nutzen, um „überholte Stereotypen des Vereinigten Königreichs im Ausland herauszufordern“. Blair und seine Regierung hoben die Kreativwirtschaft, einschließlich der Mode, gezielt hervor, um das Image Großbritanniens neu zu gestalten. Während die direkten monetären Beiträge von Blairs Regierung zur Kreativwirtschaft letztendlich minimal waren, positionierte die Rhetorik seiner Regierung die Kreativwirtschaft als integralen Bestandteil der Förderung des positiven internationalen Einflusses Großbritanniens.

Heute nutzt die Gala des British Museum die lange Geschichte der Hauptstadt, die kreativen Leistungen ihrer talentierten Designer und Künstler anzuprangern, um London und Großbritannien als kulturelle Macht zu positionieren. Es bleibt abzuwarten, ob die Gala des British Museum von Dauer sein wird, doch diese Veranstaltung beweist, dass die Kreativwirtschaft ein mächtiges Werkzeug mit einer entscheidenden Rolle bei der Gestaltung des nationalen Images und der nationalen Identität ist.

Margot Rashba ist Doktorandin der Geschichte an der Boston University. Ihre Forschung konzentriert sich auf Kleidung und Mode im Großbritannien des 20. Jahrhunderts.

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